fábula fabula fabulá

En el sitio donde se crea la ilusión del movimeinto, en la invisibilidad de los que lo hacen, existe un aprendiz y un maestro a los que el miedo les invade casi todo el tiempo y en todo espacio vacio.

En la soledad dicen ser dioses o que están en una nueva creación. Contruyen su gran obra que los desenmarcara como tales, aquella que los retrata y que los humaniza como cristos. Ellos son los creadores de la fábula.

Su pasión es puesta en escena o en situación al momento de colocarlos ante el pueblo, dentro a cuadro, para hacerlos visibles: su rostro, su cuerpo y su deformaciones. Pero de pronto la luz se va, y todo se vuelve un cuadro negro. Y para que la gente no caiga en pánico, el maestro fabula creando mundos con el viento, grita, canta, cuenta historias.

El pueblo se queda a escuharlo, lo sienten en sus oídos, su obra toca sus cuerpos, sus temores, sus ilusiones. "fabulá, pendejo" le grita el maestro a su aprendiz, "no dejes que la gente muera en medio de la noche". Su aprendiz se une, agrega y colabora en la gran obra de la invisibilidad percibida: el cine.

Pase lo que pase

En lo más recondito de mi silencio titilas

"no se preocupe, mañana verá que vendrán"

decía el viejo gordo del taller...

Presenté emergentemente un proyecto titulado grabados, en estado piloto

parece que la cosa gustó y parece que va en serio

no sé si preocuparme por la seriedad de mis interlocutores o la mía

necesito invocar, revivir a los muertos para dar el gran paso, junto con mi familia

El INEGI, el PAN, las genealogías, las herencias, la iglesia

el video y el grabado en una zona de paso

donde algunos quedan otros huímos y los demás mueren...

a la voluntad de todos

Ni los termales, ni los rieleros, ni las haciendas sobrevivieron

"hasta mañana joven, que Dios lo acompañe"

decía el viejo gordo del taller...

Para sacárselo de encima hay que ponerlo en escena invisible

como un cuento de hadas

como un en vivo de TV

Hasta que haya que darle coyote a la Tribuna Libre pa' que calle

hasta que el Monseñor y los del club de leones cenen sin protocolos

hasta que la gente deje la exédra y visite el museo

Para entonces este proyecto estará concluído sin miramientos

para luego dejar de ser un estado piloto

"pa' luego es tarde, joven" (grité)

La Isla del fenómeno Reygadas

Por Armando Andrade Zamarripa

¿Cómo podemos hablar de una isla en el cine? ¿Por qué bautizar ésta como fenómeno Reygadas? Probablemente, es muy peligroso otorgar un calificativo a este novel director mexicano Carlos Reygadas, que hoy en día con su ópera prima “Japón” (2002) y su segundo film “Batalla en el Cielo” (2005), demostró que consigue lo que quiere con el arte audiovisual. Pero ¿Qué es lo esta consiguiendo?

Primero. Esa isla de la que hablamos, es una forma de llamarle a lo que Reygadas consigue con el sonido y la imagen, porque en ella cada uno de estos elementos se concretan de manera individual. Es decir, estos dos, el sonido y la imagen, se intercalan de manera subjetiva (con un detalle personal, a través de sus protagonistas) para colocar al espectador en el interior de la historia y lograr la identificación con los roles protagónicos. Aunque lo anterior tiene su antecedente acérrimo en el cine del ruso Andrei Tarkovsky (de quien Carlos Reygadas no niega sus influencias) las historias y los personajes del cineasta mexicano son construidos a partir de esta isla, ya anteriormente expuesta, para lograr una cinematograficidad mayor. Reygadas la construye con todos los elementos que conforman el cine (imagen, sonido, espacio, tiempo, color, movimiento, ángulo y escala), así como también con el proceso de producción y con la puesta en escena.

Segundo. El calificativo de fenómeno Reygadas proviene del acercamiento que tiene el autor Carlos Reygadas con su realidad, para lograr escribir, producir y obtener a sus intérpretes. Por ejemplo, un punto clave para su primera película “Japón”, es el lugar donde acontece la historia: “Mi abuelo tenía una casa sobre el borde del cañón que se ve en la película” aclara el cineasta. Pero no sólo la fuente de inspiración proviene de sus referentes familiares, sino que en su equipo de producción participaron: Carlos Reygadas, padre y sus hermanos. Esto generó una situación muy peculiar, porque la intimidad que retrata la obra y en la que se construye es tan cercana a la familia Reygadas que los incluye de manera activa en su realización. “El personaje está directamente inspirado en un hombre llamado Alejandro Ferretis, un amigo de mis padres que a lo largo de los años se ha vuelto más y más cercano a mí. Su manera de ver el mundo me ha inspirado enormemente. Conozco gente como él que es muy cultivada, con muy buen gusto y muchas ideas acerca de la vida, pero que a la que al final de cuentas le falta cierto sabor de vida” confesó Carlos Reygadas en una entrevista. Posteriormente, para su segundo film “Batalla en el Cielo” construyó a su protagonista a partir de Marcos Hernández, quien trabajaba en el Ministerio de Cultura de México junto a su padre, y quien además, tuvo también un pequeño papel en su primer film, “Japón”.

Tercero. Reygadas construye la puesta en escena con la realidad misma, no cabe duda, pero ésta se enriquece cuando él la interviene para lograr ese aislamiento, ese ensimismamiento de sus locaciones y de sus personajes. Como por ejemplo, la película “Japón”, fue filmada en un pueblo del estado de Hidalgo; allí los personajes secundarios de la historia eran los habitantes de ese pequeño pueblo, aislado completamente de la ciudad. “Filmar en ese cañón fue el infierno, especialmente en términos de sonido. La topografía de la locación funcionaba como una tabla receptora de sonido y durante el rodaje tuvimos que pedirle a cada habitante dentro de los cinco kilómetros que apagara el motor de su auto, sus pozos de agua, en incluso sus radios” dice Carlos Reygadas. La co-protagonista Magdalena Flores, nos confiesa “ellos llegaron al pueblo cuando yo estaba de compras. Deben haber pensado que yo supuestamente era su guía, así que se me acercaron. Hablamos, pero yo no estaba convencida. A mi edad, nada de eso me interesaba”. Toda esta información demuestra la estrecha relación que consigue Reygadas con sus locaciones y sus actores, gracias a lo cual obtiene lo necesario para la puesta en escena y la interpretación actoral en sus películas. Podríamos decir que con “Japón” recupera la concepción baziniana del acontecimiento en su estado puro, donde el tiempo de los hechos no es sugerido por el montaje, sino que es mostrado en el devenir del tiempo real. De esta manera se propone una puesta en escena integralmente coherente con sus postulados estéticos, en la cual predominan el acontecimiento y la contemplación del mismo. Es decir, intenta darle lugar a las acciones y a la situación que se presenta ante la cámara y lo que capta es una mirada reflexiva e íntima, necesitada de un personaje deseoso de reencontrarse consigo mismo. Este recurso es conocido como puesta en abismo.

Cuarto. La interpretación actoral de sus dos películas, “Japón” y “Batalla en el Cielo” es otro elemento característico de Reygadas, quizá el más sorpresivo y con mayor cuestionamiento en su alrededor. Al trabajar con no-actores se tiene el riesgo de que la persona no se introduzca enteramente en el personaje; sin embargo lo que hace Reygadas con sus historias es que con esos no-actores, es decir a partir de estas personas nativas del lugar, coloca, re-escribe y encuentra a sus personajes. “Me sorprendió, al principio, cuando me encontré con que él había pensado en mí al escribir el personaje. Fue un desafío doble porque él quería que yo lo interpretara” declara Alejandro Ferretis, protagonista de “Japón”. Incluso parte de la técnica de dirección actoral que utiliza Reygadas tiene como condición que los interpretes no lean previamente el guión; por lo cual sus no-actores desconocen las intenciones de los personajes durante el rodaje. “Cuando una persona inspira un personaje en lugar de que ocurra al revés, los actores no necesitan conocer el guión. Simplemente interpretan su parte. Magdalena (co-protagonista de Japón) nunca tuvo acceso al guión ni a los diálogos. Para cada toma le dije lo que tenía que hacer y decir, cuándo y cómo” afirma el director mexicano. Gracias a todas estas instancias que provoca Reygadas con su técnica de interpretación actoral, el director obtiene lo que busca: gestos, expresiones orales y relaciones muy naturales entre los no actores, entre los personajes de la historia. Además, la íntima relación y confianza que mantiene con sus “personajes” desde el momento del casting, le permite ponerlos en cualquier situación que la película requiera.

Quinto. El reconocimiento internacional de este fenómeno Reygadas, se dio desde un principio obteniendo con la película “Japón” 12 premios de 15 nominaciones. En Cannes, ganó el premio a la mejor película latinoamericana y en el Bafici (Buenos Aires Festival de cine Independiente) el debutante Alejandro Ferretis ganó como mejor actor. Con su segunda película “Batalla en el Cielo” obtuvo la nominación de la palma de oro en la pasada edición del Festival de Cannes. En conclusión, el fenómeno Reygadas nos transporta con su magia a su isla, para reflexionar y fantasear con personajes que encuentran en ella el desenlace de sus vidas. No cabe duda que esta isla ya es reconocida en el mapa cinematográfico. Entonces…¿Qué historias tendrá la dinastía Reygadas para el futuro?.

Temporada de Patos y El Valor del Cuadro

Por: Armando Andrade Zamarripa.

De un cuadro pictórico al cuadro cinematográfico por distintos que lo sean, los dos tienen sus coincidencias técnicas al momento de ser realizados, por ejemplo: la línea de fuga, la perspectiva, la luz, el color, la simetría, la escala, entre otros; pero lo más importante es la relación de las imágenes colocadas en el cuadro para lograr el sentido comunicativo. “Temporada de Patos” de Fernando Eimbcke, presenta un minucioso trabajo del cuadro y su puesta. Aunado a la decisión casual o no del formato a blanco y negro, que en la actualidad lo cataloga como un film provocador para el espectador, ya el que al omitir el color, se propone un espectador atento y detallista, como si el blanco y negro contribuyera a la simplificación y a la eliminación en el cuadro (o la pantalla) de lo que no contribuye dramáticamente a la historia. Entonces ¿por qué la relación entre el cuadro pictórico y el cuadro cinematográfico? Sin duda, es una forma de explicar claramente el valor de lo que Eimbcke seleccionó para encuadrarlo, pero ¿dónde queda lo que no se encuadra?...

El cuestionamiento anterior es el elemento de mayor importancia y riqueza cinematográficamente hablando en esta película mexicana; lo que esta fuera de cuadro es el imaginario del espectador mismo, aquél que la misma película reta desde su secuencia inicial con planos estáticos de los complejos habitacionales de Tlatelolco, con los que presenta el tedio de un domingo al mediodía: construcciones grises de concreto, sin viveza, y los espacios de recreación destruidos por el descuido de los niños o por algunos bándalos del barrio. Así que lo que no se encuadra, complementa la situación de lo que esta dentro de cuadro, de lo visible. Además, lo no visible (fuera de cuadro) está destinado: a aquél personaje o aquellos personajes y aquél o aquellos objetos de la historia que no aparecen en el cuadro.

La dirección de la mirada en el cuadro es un elemento que indica la posición de lo no visible (fuera de cuadro) que interviene directamente en ese momento de la historia. Otro uso que Eimbcke hace con la dirección de la mirada, es en el cuadro mismo, cuando uno de sus protagonista realiza un comentario o lanza una pregunta que tiende a la obviedad y a lo inverosímil, el otro personaje o los otros personajes voltean a mirarlo omitiendo una respuesta oral. Esto se asume como un elemento frecuentativo en la película, que a la vez se convierte en un movimiento coreográfico de tal forma que ese cuadro estático tenga leves desplazamientos y la mirada activa del espectador dentro del cuadro, de la pantalla misma. Es decir, se dirige la mirada del espectador al punto del cuadro al que los protagonistas fijan su mirada; así el humor negro se comparte entre la situación cruda y controversial entre los dos adolescentes, Moko y Flama, con Rita (la vecina de Flema) y Ulises (el repartidor de pizzas).

La historia misma le asigna el valor al cuadro: como formato, como la ventanilla semejante a la pantalla y al visor de la cámara, como la mirada de un cineasta. Esta fascinación por el cuadro representado en esas figuras, tiene sus referentes con el monitor del videojuego y con el cuadro pictórico de los patos que aparecen en la película. Eimbcke con el juego de lo visible (dentro de cuadro) y lo no visible (fuera de cuadro) propone una “auto-referencia” de la figura del cuadro cinematográfico para colocar y dirigir su mirada hacia esos cuadros (monitor y la pintura de patos) o desde ellos. Una “auto-referencia” que pone a prueba al espectador y lo integra a la historia, participando éste como un protagonista más de la película.

De esta forma “Temporada de Patos” crea su propio lenguaje[1] y propone su propia lectura. Para ello exige un espectador atento al código que va construyendo. Uno de esos motivos que va retomando para hacer avanzar la historia es el recurso de la elipsis (la supresión de fragmentos del tiempo real para construir el tiempo narrativo adecuado) con esto la representación del cuadro entre un plano que inicia la elipsis y el plano que la finaliza varía. Esta variación se hace a partir de la cambiante disposición de los personajes en el espacio físico, así se le asigna la importancia al personaje u objeto que lo requiere sin tantos desplazamientos en el cuadro, y los desplazamientos que se realizan son precisos y justos narrativamente. Además, la condición de emplear planos estáticos aporta a que la totalidad del espacio físico se fragmente en distintos ángulos y escalas, teniendo mayor número de variaciones y opciones para colocar a los personajes en distintos espacios encuadrados, y continuamente la mirada del espectador, como un niño, descubre los distintos rincones del departamento.

Con un buen trabajo del cuadro, el director Fernando Eimbcke hace de una “Temporada de Patos” una película meritoriamente premiada, por sus excelentes variantes y numerosos encuadres, que unifican a una ópera prima excepcional cinematográficamente hablando, aunque haya sido un producto de escasos recursos económicos.

[1] Aunque este punto es muy delicado, ya que hablar de lenguaje fílmico actualmente es un tema muy discutido porque el cine se ha enriquecido de todas las artes y de los medios de comunicación electrónicos; sin embargo es grato distinguir sus elementos constitutivos como: el movimiento, el espacio, el tiempo, el sonido y la luz para dar a conocer cómo los cineasta articulan estos elementos para la narración de su película.

UN LADRÓN TE GOLPEA

Por Armando Andrade Zamarripa

(Para todo aquél que se quede solo en un fin de semana)

Importante Aviso: ¡por fin estarás solo!

Sí lo es, importante y necesario
porque podré jugar con el tiempo, destruir y explorar
Ni siquiera el vecino se enterará que estoy en la casa
Los audífonos son el mejor resguardo
Desayuno, almuerzo y ceno a cada instante
el secreto está en hacer las compras antes de encerrarte...

... te das cuenta que en la casa tienes arañas
goteras, grietas y mugre
también películas viejas
nuevas y sin rodar
Quisieras proyectarlas como en el viejo cine auditorio
que los títulos, los personajes y los gestos se agiganten

hierve agua en el pocillo
sólo un minuto, no vaya hacer que el alboroto te delate

sinfonías, frases, silencios y hasta perversos pensamientos
recuerdos y entrañables actos son el menú de todo el día
¿el postre? claro, espiar a la vecina de enfrente
quisieras encerrarla contigo como en la pubertad
que te escondías bajo la cama, imaginándotela desnuda...

Eres un Rey, la cama es el púlpito
para adoctrinar lo que tienes contigo, tu
Quisieras todo, apropiarte de lo que se te ocurra
que una orquesta toque para ti y también la conduzcas
que Rulfo resucite, Reygadas sea tu apellido

Empiezas a dar de brincos sobre el colchón
blasfemando, violando y falsificando
No dejas de tragar de beber de dormir
de soñar...

Véte en penumbras, en un palacio
en una nueva galaxia con Asísmilo y Anabel
dirigiendo tu película, armando el plano
Discutiendo con un conocido amigo, que dice ser tu papá
A tu vecina por fin la tienes contigo, ahora sobre el colchón
Y la orquesta interpreta la décima de Shostakovich
pero Arvo Pärt resuena
aunque Björk esté con su penúltima canción incisiva
Discutes el cuadro con tu asistente
mandas todo al carajo
ya no es necesario filmarlo, ya lo ví y ellos no
¡Anárquico! grita el viejo con Parkinson
me vale una chingada
bajas las escaleras, un pasillo
una puerta entreabierta
presientes el miedo
que podría haber alguien allá detrás
algo te acecha
dudas en abrir la puerta
me vale una chigada
la abriste
y un gatito se descubre de la sombra
te observa con sus ojos hipnóticos
como los de Anabel
te detienes, lo observas detenida mente
camina hacia ti
quisieras huir, pero si es un felino nimio
su gesto no cambia, seguro de sí
a tí te está llevando la chingada
el gatito se agiganta como un león
entonces corre hacia a tí
pega un salto que cubre todo el plano
pasa al contraplano
y cierras tus ojos
un estruendoso rugido, ahora los abres
volteas y el gatito se ha convertido en una fiera
lucha contra otra semejante a él
las observas, se destrozan una a la otra
En el lugar hay un excusado
ahora recuerdas para qué entraste
meas y te chorreas en el pantalón
chingada madre

Te despiertas porque el teléfono suena
suena y no para
tu con la mano en la bragueta de tu jeans
extiendes la otra mano hacia al teléfono
te golpeas bestialmente en la cabeza con el filo del buró
tomas la llamada...
número equivocado
chingue a su madre, hija de la chingada

Caminas hacia el baño y recuerdas al gatito
tu vejiga estaba a punto de estallar
pero cómo no, con dos quilmes encima
meas y remeas hasta desahogarte
te sobas la cabeza del porrazo anterior en el buró
tienes un tremendo chichón
te duele hasta la verga
terminas de mear
te miras al espejo
un chorro de sangre escurre por tu sebosa cabellera
hijo de la chingada
te quejas con madres y abres el botiquín
sólo hay alcohol
y te lo colocas en la descalabrada a punta de chorros
y pegas un grito de la chingada...

Vuelves a la cama
noqueado, con un chorro de meados en el jeans
oliendo a alcohol alcanforado
y con la mirada del gatito en tu recuerdo
me lleva la puritita chingada
retomas tus audífonos y no se escucha nada
probablemente se descargaron las pilas
que chingón ¿no?
lo único que te queda es comer algo
conciliarte con el sueño o tratar de recordarlo
pero a todo esto
a quién se le ocurre no desconectar
el chingado teléfono…

¿POR QUÉ ME DETUVE ESA NOCHE?

Sobre tu impresionante ser resumo todo cuánto soy y cuánto puedo añadir
mis gestos, mis historias y mis sensaciones
pero no olvidemos que el humor modifica todo
la tolerancia también se reserva
Un Litany for the Whale de Cage, antes un Melodien de Ligeti en las bocinas
¿Para adónde iba todo? a donde siempre
Esta vez todo lo que salía de nuestras bocas ese instante
gemidos, charlas, loops de"te amos", ladridos de perros
fueron la suspensión para no llegar a donde siempre
¿cómo dejar de hacerlo sin que esto nos interrumpa?
Quítame mi escucha, mi olfato, mi voz
quédate con mi tacto y ¿mis ojos?...
ya están cegados
me dormí

MOTHER ‘DAO’: Poesía en imágenes del Pasado-Presente_

Por: Armando Andrade Z.

_Obertura contusa: Canción del tercer piso

Incontenible el deseo de revelar, del autor holandés Vincent Monnikendam, un registro de sus antecesores, que tomaban pueblos indochinos para el menester de su economía imperialista y desde luego su estadía cómoda lograda, gracias a su postura “grandilocuente” con los pobladores de esas regiones ricas en materia prima.

Un poema documental que desarrolla un perfecto manejo del tiempo y sobre todo del espacio fílmico; que busca una narración indirecta libre, simplemente para darle cabida a la voz y a la mirada de una diosa que agoniza y que muere en el mundo material. No obstante heroína en un mundo de cultos sobrevivientes al vicio incandescente de culturas que pregonan su religión sobre una religiosidad mal llevada, que es la civilización en su grande terminología.

ACTO PRIMO: Violación en la Naturaleza Viva

“La Cultura no está... superpuesta a la vida. La sustituye, la utiliza y la transforma para realizar una síntesis de un nuevo orden”[i] que sin duda marca una fisura en el medio ambiente y en la psicología de los hombres que pertenecen a una sociedad. Esta idea, nos es más que una crítica, desde un punto de vista antropológico, pero que indudablemente en el filme, se cita para un idea que va más allá de lo evidenciado por el espectador y en el uso del lenguaje cinematográfico.

Es decir, que el material fílmico que el mismo Monnikendam utiliza, aplica y desarrolla lo hace en un nuevo orden. Eso implica que hubo una trans-culturización tanto ideológica y sobre todo una violación a la naturaleza viva, implicada en la pérdida cultural de los pueblos indochinos tan presentes en cada plano que constituye este documental. El presente diacrónico de las imágenes es empleado para proponer que ese dominio de los decimonónicos europeos, fue y es tan claro por la confesión de una voz apacible, en apariencia, que la banda sonora manifiesta (como si fuera la resonancia de la presente voz de Mother Dao). Todo esto se desarrolla en una ecuación que implica nuevo-orden-presente-diacrónico-sonido-apacible-pasado.

Esa voz que canta y rinde culto a aquello que se pierde no sólo en el mundo material sino en el espacio fílmico, manifestado vivamente que pareciera que el espectador se encuentra en un lugar etéreo, neutro y donde se distingue toda acción. Distinción para una violación del entorno y lo interno. Su verdadera esencia, que en parte es ese pueblo indochino que pasa de un estadio eurocéntrico salvaje a uno bárbaro; que a través de esas imágenes de archivo que se utilizaron, inmersas en un entorno diacrónico, son llevadas a uno sincrónico, aquí y ahora, donde sólo es una barbaridad de imágenes que no sucumben al contemporáneo sino a ese pueblo indochino desvirgado en ellas.

El autor no es quien llora, es su Mother Dao, que le confiesa un duelo entre su estadía en este mundo y en el que se encuentra, en un mundo fantasma.

ACTO SEGUNDO: el aire contamina un canto que esclarece

Mather Dao, es un elixir que encontró Vincent Monnikendam en su pasado, en su cultura. Filmes que revelan los mandamientos de su civilización, para presentar un nuevo testamento. Partiendo de una idea poética en imagen y en sonido. Que pueden rendir culto a la voz calló, pero no muerta.

Qué impropio es el mismo destino para los indochinos que perseguían su propia civilización y su propio sistema económico, que para ellos era universal, su mundo. En cambio, el autor marcha sobre las mismas imágenes concretas (plasmadas en esos filmes de los 20's y 30's) que manifiestan una realidad concreta, desde una visión que no era más que la de los propios europeos civilizados; para jugar con el fuera de campo, de lo que estuvo atrás de ese espacio fílmico, Vincent hace vibrar un aliento lleno de poemas, cantos, silencios, murmullos y conjeturas del fuera de campo: camarógrafo-indochinos.

Este aire contaminado es la misma supuesta realidad que trae consigo las imágenes que el camarógrafo holandés de esa etapa diacrónica registró. Cómo esclarecer la realidad del fuera de campo: Mother Dao-Vincent Monnikendam. Pues, se realiza con el mismo aire que trae consigo imágenes y también sonidos que sacuden, limpian y evidencian lo opuesto, lo anulado diacrónicamente. Pero que en una sincronía necesitaba ser registrado.

ACTO TERCERO: Cadencia del espectador que vive en el espacio fílmico

Poner en juego un pasado y un presente contribuye a una autocrítica del pueblo holandés desde lo que ellos exterminaron. En Mother Dao se funda una nueva poética que se busca desde lo que Vertov, los cubanos post-revolucionarios y que el mismo Monnikendam proponen, una cinematograficidad de la misma realidad fílmica; para modificar ese símbolo excluido de su contemporaneidad, resignificar lo que está registrado en la sagrada escritura audiovisual. Se buscan nuevos lectores que puedan también escribir y sobre todo cantar al son de la rima de un poema, desde y hecho de la realidad espacial-histórica. Ecuación de la cultura, que se modifica.

Por eso Vincent Monnikendam, no hace más que una manifestación de su nueva civilización y sobre todo de su principal objetivo dado a ese elixir que su misma esencia y denominación holandesa evolucionada.

_Coda prima: primer corte del montaje audiovisual

Toda ciencia social, como la antropología esta fundada en hipótesis conjeturales, que no son comprobables en la cultura que cada década o etapa social en que se formulan, sino que deberá pasar el tiempo para que se comprueben o se refuten.

Mother Dao, no es parte de la ciencia social, así que su hipótesis no es conjetural, pertenece a una deidad que hizo vivir a sociedades indochinas en un estadio de civilización culta.

[i] Strauss, Levi; “Naturaleza y Cultura”; Cap. I

SAN ZENCINSONZOOM (Génesis)

un viejo con su estrepitosa voz porteña padece de Parkinson

perverso zumbido de sus tatatas que emiten sus dedos

chocan entre ellos sin que éstos lo deseen

maldice su profesión de cineasta y bendice su santo oficio de bouyerista

que juguetea por los jardines en la ciudad de la furia

consiguiendo sus más íntimos deseos que se desvían cuando sus víctimas lo descruben

tatatatatas tatatatatatatas incontrolables

se queja todo él a pesar de que esté gozando su fulano rol

tatatatas presume que es también hombre sónico aunque prefiera el silencio

ssssss sssss ssss ss

brrrgg

escapa del coso

un tigre que lo conserva en la siesta vespertina

camina hacia la calle dorremi para instalarse en su monoambiente quasivació que sino fuera por sus pinches películas que guarda como los mejores fetiches costosos de la vida no tendría nada mas que sus tatatatas tatatatatas tatatatatas tatatatata tata tatas tas tas ta t

por insoportable que parezca no deja de ser un viejo sabio al que escucho con temor y al que prefiero no mirarlo

aunque a él le sea placentero

de su monótona voz han surgido los elementos que conforman el universo san zencinsonzoom

ASÍSMILO

Pequeño es,
Concebido por una pareja de ocupados comerciantes
patética su infancia será
portará un sólo ojo y verá inusual la vida
su hermana mayor, Melí, lo atenderá
él la espiará en trasnoches
cantará como ella y las aves del jardín
será como un ruiseñor
Toia, una adolescente, invadirá su territorio
no es bienvenida en un principio
luego, luego, luego conocerá su mundo, su cuerpo
cantarán
atraparán aves
comeran bellotas
la tormenta los arropará, y
un amante conseguirá Melí
el infante lo sabrá
su canto no será igual
gritos
aves mutiladas
Toia estorbará
Melí es insoportable para su mirada
ella anunciará su matrimonio
ya no es necesario soportarla
fuera mundo
fuera visión
fuera ojo
adiós canto
adiós ruiseñor
adiós trasnoches
la oscuridad lo llamará


(Sinopsis del Guión Largometraje con el mismo título)
**No. de Registro 1001-80BSAS-KP